“La propia esencia del arte es conocimiento y creatividad”. Conversando con la escultora venezolana Sydia Reyes.


Sydia Reyes,Testigos, obra pública autopista Caracas-La-Guaira, Venezuela, hormigón armado, 2014.

Sydia Reyes es una escultora venezolana con una trayectoria de 30 años en el mundo del arte, tanto en Venezuela así como internacionalmente, con representación de su obra en museos, colecciones privadas, empresas e instituciones alrededor del mundo, además de poseer unos cuantos premios internacional que acreditan la calidad de su obra, entre los que destacan el Premio Unesco y AICA en la 7ma Bienal del Cairo (Egipto 1998), igualmente tiene premios en China, Francia, Panamá, Japón, Estados Unidos y su natal Venezuela.

Actualmente Sydia trabaja entre los Estados Unidos de Norteamérica y Venezuela, habiendo realizado unas cuantas obras cívicas en espacios públicos (30), en diversas locaciones, en Venezuela, USA, Canadá, Francia y Panamá.

Recientemente está mostrando su última producción escultórica en la Galería de Arte Ascaso, uno de los espacios expositivos más prestigiosos de Venezuela, donde también presentó su último libro Sydia Reyes Escultora.  A partir de lo cual le cedió a la audiencia de Arte para la Vida esta amena entrevista, donde nos abrió su universo creativo y pudimos comprender más sobre su obra, desde sus propias palabras.

Resulta muy interesante enterarse desde los propios artistas, todo lo que conlleva el desarrollo de una obra sólida, los obstáculos y retos a ser superados, los logros, las frustraciones, los aprendizajes y esa lucha librada que muy pocos conocen.

A continuación los dejo con nuestra invitada Sydia Reyes.

 

Fidel Gómez: Sydia cuéntame algo, ¿de dónde te viene esa atracción tan fuerte por trabajar con el metal? que yo recuerde desde tus comienzos a principio de los 90, el hierro y el acero siempre han sido los soportes más importantes en el desarrollo de tu obra, y vuelvo a la pregunta inicial ¿qué significa para tí trabajar con estos materiales?

Sydia Reyes: En mis inicios en el ejercicio de trabajar con diferentes materiales, como vaciado en marmolina (polvo de mármol), hierro y madera fuí definiendo no solo lo táctil de la materia, sino la búsqueda de las formas y la fusión con el tema. Mientras trazaba en las láminas de hierro, respondía a la inquietud sobre los referentes urbanos, como la calle, las alcantarillas, camas-calle o catres-urbanos, maletín-urbano, cajas de lustrar zapatos en concreto, estos como objetos o iconos de la ciudad, reinterpretando lo cotidiano bajo la mirada de la inconformidad, de la denuncia ante los contrastes e injusticias sociales.

FG: Muchos críticos de tu obra han mencionado la vinculación de las alcantarillas en tu trabajo, como un tipo de denuncia social, pero más allá de tratarse de un hecho panfletario, se da en el sentido de hacer evidente esa parte del entramado social que yace oculto o subterráneo, que hace vida en los túneles de los drenajes. Me gustaría conocer de tí sobre este tema tan interesante.

SR: La vinculación de los temas relacionados en mis trabajos son regularmente las observaciones sobre los desequilibrios del ser humano en la sociedad. La ciudad, la naturaleza y el ambiente. en los años que salía de la escuela de arte además de trabajar en madera realizaba piezas en hierro, con acabados de pinturas de colores y definidas hacia la abstracción geométrica, donde la forma y la composición eran lo más relevante, ya en el 90 empecé a tener la necesidad de otra propuesta, mi trabajo fue cambiando, con nuevas interrogantes y la búsqueda de otras temáticas en mi obra. Me llegó en el andar por la ciudad con una mirada reflexiva, sintiéndola, mirándola, oliendola, escuchándola, con niños, adultos deambulando  bajo el cielo y la intemperie (indigentes) aceras y calles agrietadas, alcantarillas inservibles, bocas de visita (tapas de alcantarillas) destruidas, desgastadas, basura, piedras, cartón, periódicos…Eso se tradujo en interrogantes y frustración  ante una suerte de crítica, denuncia, ironía y advertencia que se me despertó ante el desorden y las precariedades de la ciudad.

Comienzo entonces a  crear obras en hierro, más desnudo, con óxidos, dobleces, torsiones, rupturas, alambres de púa y otros. Estas obras se reinterpretan en las esculturas con formas de alcantarillas para así, copiar el dolor de la desigualdad, que se trenza en la ciudad.  Estas obras aún siguen vigentes porque revelan lo que vemos cada día en nuestras calles, en una sociedad donde la desidia se evidencia en el tiempo y en el espacio.

Tomando el impacto emocional que me genera esa reflexión, me apego a la materia prima que es el arte, y expreso a través de las  esculturas una mirada crítica y preocupada por los comportamientos del hombre en su entorno, porque por sus formas y pensamientos son la relación con esos temas, urbanos, sociales, ecológicos y mundiales.

Sellada II, 1992, hierro soldado y concreto.

FG: Háblame un poco de tus inicios en el arte, entiendo que fuiste pupila del gran pintor Pascual Navarro, por otro lado ¿cómo se da ese salto hacia la escultura?

SR: Desde niña mi mejor juego o diversión era pintar y mi papa en el año 69 sabiendo esto me llevó a mi y a mi hermana menor Mildred, a  la Torre de la Prensa de la Cadena Capriles (Caracas), donde un artista venezolano recién llegado de París dentro de sus actividades vino a impartir clases de pintura a niños y adultos, el era  Pascual Navarro.

Recuerdo cuando lo conocí su imagen me gusto, chaqueta de lana oscura,  boina, larga barba y olor a bohemio. El lugar era una gran terraza, en la mezzanina de la torre, había una fuente de soda y allí donde era techado nos colocamos algunos de los alumnos y otros tomaban los espacios abiertos me imagino por eso de aprovechar el clima maravilloso, pintábamos sobre las mesas y en caballetes. Pascual nos dio la lista para que llevaramos, lápices, carboncillos, papeles, guaches y pasteles Rembrandt, más el caballete.

Desde el comienzo de las clases fui muy enfocada y no le perdía la pista de todo lo que él decía, era polémico, bohemio y buen maestro, aunque era muy niña no todo lo entendia sus peleas cual quijote, me gustaba su forma diferente de ser. En las clases los ejercicios eran hacer croquis muy rápidos de rostros y de la figura humana que por cierto eran de personas que visitaban los periódicos hasta a las misses las pintábamos.

Aunque se trabajaba la figuración los ejercicios no los hacíamos académicos, muy por el contrario, nos enseñó a soltar la mano y ver simultáneamente, a entornar los ojos, para ver mejor las sombras, como también otros ejercicios como que nos fijáramos sólo en las líneas, siempre muy rápido, estos dibujos y croquis realmente fueron afinándose, porque se logró una madurez que no parecían trabajos hechos por niños. Pascual nunca tocó el trabajo de sus alumnos, si explicaba algo lo hacía en un papel aparte, y decía, No al academicismo, No a los Salones…!!! Nos hablaba por ejemplo del renacimiento, del impresionismo entre otros,  hablaba de muchos artistas,  Renoir, Rembrandt, Cézanne, Picasso,  y sobretodo de Reverón.

A raíz de trabajar todas la tardes, habían muchos trabajos de cada alumno y  se dio el momento de elegir a quien escoger para una colectiva de solo tres niños y fuimos Luis hernandez, Mildred Reyes, (mi hermana) y yo. Demasiada emoción todo eso…Nuestra exposición en la Guancho Capriles fue todo un éxito y Pascual comentaba que había mucha madera en nosotros, estaba feliz!  Luego como hubo mucha distracción a los estudios,  mi papá decidió no dejarnos ir más a las clases con Pascual, lo cual fue terrible para mi… luego con mucho dolor si pintaba, rompía lo que hacía, en rebeldía a la frustración que tenía no seguir con Pascual. Luego pasan los años me caso y voy a vivir a Pto. La Cruz, y allí me conecto con Pedro Báez y comienzo a ir a su taller y luego Pedro Báez toma la dirección de la Escuela de Arte Armando Reverón y me voy solo a tomar clases de pintura porque ya tenía mis dos hijos y me era difícil ya que mi familia era de Caracas. Pero milagrosamente aparecen dos lindas chicas de Mérida y se van a vivir a mi casa y ellas aunque estudiaban estaban en turnos diferentes y entonces cuidaban de los niños, fue cuando pude tomar el pensum completo de Arte Puro. Y fue allí cuando descubrí mi pasión por la escultura, cambie el pincel por las herramientas.

Sydia Reyes

FG: En esta nueva etapa de tu trabajo veo mucho acero inoxidable, de hecho el hierro quedó prácticamente relegado, ¿te sientes más cómoda con el acero? ¿qué pasó con ese contraste tan interesante entre el material y su superficie oxidada, tan rico visualmente y presente en el hierro? Indudablemente el acero pulido es de una belleza estética sin discusión, sin embargo la textura del hierro tiene lo suyo. ¿Qué me dices al respecto?

SR: Si bien es cierto que realizo esculturas en metal, no creo que se deba encasillar, cada material tiene sus potenciales. Cuando se empieza a crear una idea se dibuja, se puede comenzar con algunos sketchs y a su vez son muchas cosas las que van surgiendo, que se van desarrollando y puedo ir imaginando, por ejemplo, ¿para que? ¿donde? ¿qué espacio y qué tamaño? y luego va surgiendo el soporte o el material, que puede ser metal, como el hierro, acero inoxidable, por decir algunos, el concreto me gusta por su fuerza y plasticidad, el bronce, la madera te da calidades maravillosas y bien variables, la resina otras, pero casi todos, cada uno de estos materiales son tomados según el tema, el formato, el espacio, es una cuestión de elección. Las pátinas y acabados de los óxidos en el hierro, no son iguales para el acero inoxidable, los materiales los determino según el proyecto o idea, desde que nace la imagen en la cabeza hasta que se lleva al trabajo final, cada material brindan diferentes opciones que determinan las búsquedas resolutivas de cada obra, quizás en algunos momentos hay enamoramiento o fijación por algún material, como por ejemplo, el hierro, en los años 90, con el acero inoxidable, fue a partir del año 94  con el cual realice por mencionar una, pero fue una obra de 5.00 x 7.00 x 11.00 m. para Hidrocapital. Volviendo a la pregunta, los metales, los dos tienen comportamientos cercanos, y la calidad, el acabado van según lo deseado.

FG: Sydia te debo felicitar por la osadía de haber realizado obras de arte público de gran envergadura, tanto en Venezuela así como en otros países. Cuéntame ¿cómo ha sido esa experiencia en comparación con las obras en formatos no monumentales? me apasiona la idea del artista trabajando como un ingeniero, dirigiendo la construcción de una obra monumental. Háblame de ese proceso, de las vivencias y de ¿cómo haces para lograrlo de manera exitosa?

SR: El reto de un proyecto a gran escala dependen de muchos factores. el trabajo a gran escala se va formulando con una  lógica de pasos a seguir. Puedo mencionar mis tres primeras experiencias, fue en el último año de estudiar Arte en la escuela Armando Reverón de Barcelona, Edo. Anzoátegui. La escuela fue transferida para una nueva sede, cuando esto pasó le sugerí a mi compañera de clase Maylen García que propusiéramos realizar una intervención (relieve) en la fachada de la nueva sede, se lo planteamos a la directiva de la escuela, como proyecto de tesis de grado como estudiantes de escultura. Con muchas preguntas y espera por los costos de los materiales y herramientas, finalmente pudimos realizar el relieve escultórico con hierro y cemento. Ese mismo año con mi compañera de clases Elizabeth Martinez, hicimos por encargo una (escultura figurativa) modelada y vaciada en concreto de 4.00 m.  Luego en la Bienal de Guayana de 1988 en San Félix se realizaron, alrededor de 30 propuestas de artistas seleccionados para proyectos de arte efímero monumental. Así fueron mis inicios con trabajos a gran escala.

Luego de realizar la primera exposición individual en Caracas en el 91, comencé a realizar encargos privados de empresas como también invitaciones a eventos culturales, en el Museo Alejandro Otero la exposición colectiva que se llamó “Bagdad” allí realice una obra grande de hierro que colgaba con guayas y atravesaba la fachada de vidrio cuya obra se mostraba una parte dentro y la otra afuera, para fusionar las dos partes en una y fue la obra “Espejismo de los tiempos”. Por lo riesgoso del montaje tuve que conversar con ingenieros para el estudio de los pesos y volúmenes por el caso de la vibración en los cristales producida por el viento, podría haber sido nefasto para la fachada del museo, y hasta me hicieron un documento, por si ocurría algún daño, era la responsable, lo asumí y no paso nada!

Después sucesivamente con otras obras en Caracas, Pto. Ordaz, Barquisimeto, Con las obras Testigos en la autopista Caracas-La Guaira con concreto,  Boceto para un bosque, en el boulevard de Sabana Grande (Caracas) con acero Inoxidable y concreto, en Panamá también acero inoxidable y concreto. En Chicago y Wisconsin, esculturas en EEUU en Acero Inox. Japón (Escultura), China (Proyecto- maqueta), Francia Saint Pierre de Chartreuse (Talla), Egipto Cairo (video-Instalación), Canadá, Quebec ( Arte-Efímero). Argentina, Rosario (Talla). Brasil, Porto Alegre, (Intervención Urbana).

He realizado casi 30 obras de escala pública, ha sido una suma de aprendizajes y anécdotas.

Boceto para un bosque IV, 2013, Panamá, obra pública, acero inoxidable, concreto y luces LED.

FG: Y sobre las grandes obras en hormigón, los árboles de concreto, ¿imagino que hacerlos fué mucho más complejo? por sus dimensiones y exigencias técnicas.

SR: Unas de mis últimas obras realizada a escala pública aquí en Caracas, es la que está en la autopista Caracas-La Guaira. Todo comenzó por el proyecto Viarte son un grupos de tres mujeres profesionales y me explican que es un proyecto donde las esculturas intervienen las autopistas. Luego la obra “Testigos”, es unas de ellas, fue una obra bien compleja porque se tenía que hacer “in situ” por la envergadura del trabajo en concreto, la ubicación se estudió, y escogí el lugar por el background de las montañas y está antes de pasar Ciudad Caribia, se requirió emparejar el terreno con maquinarias, hacer toda la estructura, por supuesto calculada por ingenieros, por los ingenieros de la empresa Texeira Duarte quien patrocinó la realización de la escultura, bajo la ordenanza del Ministerio de transporte terrestre y Texiera Duarte son los que construyen el trayecto Boyaca – La Guaira. Esta propuesta está marcada con el tema ecológico, en esta ocasión este proyecto es el proceso de la serie de esculturas  “Boceto para un bosque” que en esta versión se amuralla el símbolo de los árboles que no están y dibujan  el vacío de la forma de un árbol, como cuando uno es niño, dos palitos y el follaje, pero en vez de hacerlos en el papel es llevado al concreto, donde con la incrustación del acrílico y la luz azul LED se logra el anuncio de las auras de estos árboles que no están, para cambiar el pensamiento de todos nosotros, los seres humanos ante la dantesca destrucción en nuestra amazonía y bosques del mundo.

Testigos (detalle), obra pública autopista Caracas-La Guaira, Venezuela, 2014, hormigón armado,.

FG: Otra cosa que me llama mucho la atención de tus proyectos públicos monumentales, es la maquetación previa, ¿cómo logras hacer esas maquetas tan increíbles?

SR: Llega la idea como un flash, muchas veces voy directo al material para realizar una maqueta, sin embargo es fundamental el dibujo, las maquetas, planos, diseños en autocad o renders, es decir la idea previa al proyecto, tomar algunos de estos medios, porque son la base para los cálculos y la realización de una obra de estas magnitudes.

FG: Hasta ahora ¿cuál consideras que ha sido tu experiencia expositiva más importante y por qué? quiero que me hables de esa experiencia que marcó un antes y un después en tu carrera artística.

SR: En realidad fué mi primera exposición individual “Realidad Aparte” en julio del año 1991. Todo se dio en un momento muy productivo para el arte en Venezuela, muchas actividades de Salones, Bienales, exposiciones, concursos etc. La Galería Astrid Paredes en Las Mercedes (Caracas), ellos me apoyaron una parte económicamente, para poder realizar las obras que necesitaba para completar la exposición. Realice 14 esculturas y una instalación, fue gratificante porque las obras, aunque no se vendieron todas, pero de allí 3 de las 5 que vendí fueron adquiridas por dos museos, y una se fue para Japón y ganó el premio especial en una Trienal en Osaka en 1992.  Los críticos de arte Roberto Guevara, Víctor Guédez, Guillermo Barrios, Eduardo Planchart, Elida Salazar, y otros comentaron sobre la exposición “Realidad Aparte” juntos a  otros artículos de periodistas.

FG: ¿Qué es para Sydia Reyes un multiverso, y cómo se vincula esta idea con la tridimensionalidad escultórica?

SR: Es el enlace del espacio-tiempo donde se manifiesta el lugar real donde vivimos. En medio de estos encuentros aparecen las formas matéricas que reclaman una diversidad de lecturas así como sus construcciones y deconstrucciones. Aquí se observa algo semejante a lo que ocurre en los universos. Por eso, las esferas recogen la idea de los multiversos que simbolizan la esperanza de transitar reformas que conviertan lo imposible en posible al posibilitar que la armonía prevalezca sobre los desencuentros. Los identifico con la consciencia de los paradigmas que eleven el pensamiento colectivo.

Multiverso, acero inoxidable, 2016.

FG: Hablemos de las publicaciones más importantes sobre tu carrera, como parte de tu última exposición publicaste un libro sobre tu trabajo, ¿cómo te sientes al respecto y cómo piensas que esas publicaciones te han ayudado?

SR: Todo comenzó con los catálogos de mis exposiciones individuales, en lo cual Víctor Guédez desde mis inicio ha sido un consecuente investigador de mi trabajo artístico, así  como también Bélgica Rodriguez, Maria Elena Ramos, y otros. En el año 2011  me contactan de una editorial en Madrid, España porque iban a publicar un libro donde mi nombre y mi obra estaban como parte de un ensayo de Judit Uzcátegui Araujo (El Imaginario de la casa en cinco artistas contemporáneas), junto a otras artistas de la talla de, Remedio Varo, Louise Bourgeois, Marjetica Potrc, Doris Salcedo y yo, por lo tanto acepte. Luego de haber sido publicado el ensayo de Judit Uzcátegui, a los meses me volvieron a llamar para proponerme hacer un libro sobre mi obra, lo único era buscar quien escribiera sobre mi trabajo, tenía que ser rápido y sucedió que Bélgica Rodríguez realizó el texto pero a su tiempo, casi después de un año entre las obligaciones y viajes dentros de sus compromisos de trabajo. Envíe el texto con imágenes a la editorial española, pero la editora me comenta entonces, que la economía de España se había complicado y me dice que el libro iba a ser como el del ensayo, un libro pequeño, lo cual pensé y empecé a buscar presupuesto, pero sin diseño no había presupuesto, hable con varios diseñadores, hasta que con las editoras de Editemos que se encargaron de la producción del libro, trabajaron en la coordinación de los textos de Víctor Guédez y Bélgica Rodríguez, luego con la diseñadora Zilah Rojas se armó el libro y se imprimió en Lauki C.A, todo hecho en Venezuela. Dada la realización del libro hace unos meses atras me planteé hacer una exposición individual y trabajé con la realización de obras para una muestra y para la presentación del libro Sydia Reyes escultora. Se trata de una edición de 1.000 ejemplares, full color, bilingue ingles/ español fue presentado en la feria del libro FILCAR en Margarita (Edo Nueva Esparta, Venezuela) en marzo de este año y luego el libro fue bautizado en el marco de la inauguración de la exposición individual en la Galería de Arte Ascaso, en las Mercedes, en Caracas, el día 26 de Marzo de este año (2017).

FG: Sabes que me llamó mucho la atención que en esta última muestra en Arte Ascaso, estás mostrando obras gráficas, algo que desconocía que hacías, y me parece estupendo, de hecho muchos escultores han hecho gráfica de primera. En esta ocasión vi serigrafías y unos trabajos impresos en seda que me impactaron, porque algo tan pesado como una escultura en acero, se vuelve completamente volátil y sublime al imprimir su imagen en un material tan delicado y transparente como la seda. ¿Qué motivó el desarrollo de este trabajo gráfico tan interesante?

SR: Si bien es cierto que como escultora me intereso también por la gráfica, porque me permite otras posibilidades como creadora y en este caso, se dio una conversión de formas e imágenes, pesos y volúmenes, tratamientos con una imagen que registra la constante de una escultura, la escultura se convierte en gráfica en el caso de la instalación “Deep” que son tres telas muy transparentes manteniendo un volumen casi virtual. Y en papel realice unas serigrafías, desde la imagen escultórica, esta se extrajo de la esfera multiversos, fragmentos, donde la forma toma sus resoluciones plásticas y conceptuales. Es el producto del trabajo lo que genera esta producción de obras con diferentes técnicas gráficas como lo mencionas.  

Deep, impresión sobre seda, 2017.

FG: Una de los aspectos más interesantes dentro de los procesos creativos, en todo artista, es la manera como vierten sus valores, ideas filosóficas y sus conceptos de la vida, en su obra. Algo raramente tomado en cuenta, pero que definitivamente configura y le da forma a la expresión artística. ¿En qué cree Sydia Reyes, sigues alguna filosofía espiritual de vida, te apasionan ciertos autores, de dónde te nutres para crear?

SR: Mi filosofía es el dia, dia, y me nutro de los espacios naturales, porque me recrean,  junto a la meditación, ejercicio, yoga, muy necesario en estos momento que vivimos de tanta presión. Hay artistas con los que me conecto tanto con  su obra, como con su visión también, como por ejemplo los artistas, Ai Weiwei, Olafur Eliasson, Richard Serra, Anish Kapoor, Jenny Holzer, Rudolf Stingel, Williams Kentridge, aunque me informo pero no los estudio mucho porque no quiero parecerme a ellos. Por eso de no copiarse  jajaja!!! Es broma.

FG: ¿Cuáles consideras como tus principales influencias? yo particularmente veo algo de algo de minimalismo, pero a la vez una transformación del objetualismo, en el caso de las alcantarillas. Profundicemos en esto, pero te aclaro que a pesar de ver esas influencias, lo más importante es que veo a Sydia Reyes, lo cual evidencia un nivel de madurez en el desarrollo de tu código subyacente, en tu estilo personal.

SR: En el arte hay un compendio de artistas que pueden generar conexión y no se puede hacer nada, eso es natural, la información e influencia  es imposible no tenerla en primera instancia luego la depuras, la sueltas para hacer tu propia línea de trabajo, las figuras del arte conceptual, objetual, son como ondas van y vienen.

Descarriados II, acero inoxidable, 2001.

FG: Como escultora contemporánea ¿cómo ves la condición de la escultura en la actualidad, tanto en Latinoamérica como en el mundo entero? lo digo porque con la sobresaturación de arte VIP (video, instalación y performance), parafraseando a Avelina Lésper, siento que se ha perdido mucho el sentido de las disciplinas artísticas, de la escultura, de la pintura, del dibujo, de la gráfica. Dentro de esta realidad ¿cómo ves a la escultura como disciplina en este momento histórico?

SR: La propia esencia del arte es conocimiento y creatividad, históricamente se han generado las tendencias y movimiento, a través de procesos y reacciones culturales según su era y tiempo. Y son las auténticas tendencias las que trascienden y así como los auténticos artistas son los que trascienden también.

Yo interpreto que se le quiere dar un exceso de importancia, de sobre creatividad, para superiolizar lo que en verdad no es. Son muy pocos los que medianamente tienen un eje efectivo de madurez en las propuestas de sus obras, porque para mi es la relatividad de la nada, cosas que pueden ser interesantes si se entienden los enfoques más estructurados como en el caso del artista chino Ai Weiwei,  o con los elementos poéticos y perceptivos de Olafur Eliasson, pero realmente hay un lote que se acompaña de una base deformante de lo que es realmente el arte, formando el anti-arte.

FG: Cuéntame algo, ¿cómo es el día a día en el taller de una escultora como Sydia Reyes?

SR: Es la sala de experimentos donde se generan emociones, intuiciones, ideas, frustraciones…  y salen esculturas. 

FG: Gracias Sydia, por cederle esta entrevista a la audiencia de Arte para la Vida, te deseo lo mejor del mundo, un futuro lleno de felicidad, abundancia, éxitos y mucha escultura.

 

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