La Imaginación Creativa y la Reinvención Artística

Leonardo Da Vinci, La última cena, 1494-1498.

Dentro de los procesos creativos en las artes visuales, el uso de la imaginación supone un recurso muy útil y efectivo, para resolver los problemas planteados en las investigaciones artísticas. Pero no se trata sólo de pensar en soluciones inmediatas y meramente técnicas, sino más bien de cómo ese proceso por medio de la proyección, puede generar verdaderas maravillas artísticas.

La imaginación puede impulsar los proyectos artísticos a otro nivel, muy por encima del promedio, el arte puede llegar a un pináculo creativo único, sólo posible por la intervención de la imaginación creativa.

Para llegar a este nivel de producción artística, como es de suponer, se necesita correr ciertos riesgos, incluso romper los propios límites como artista, como creador. En este punto el artista vive un proceso donde toca fondo dentro de sus propias investigaciones, emergiendo así la reinvención artística.

Esta reinvención, no se trata de negarse a sí mismo, muy por el contrario, es como un proceso de parto, doloroso y hasta confuso, donde el artista produce algo distinto y nuevo, yendo un paso más allá,  dentro de sus investigaciones previas, movido por una fuerza oculta que lo empuja, que lo impulsa a ir más allá, esta fuerza es la imaginación creativa.

 

Definición de imaginación creativa

Es un proceso mediante el cual usamos la imaginación para crear nuestras propias imágenes, en este sentido va más allá de la imaginación reproductiva que se limita a recrear imágenes producto de la memoria. En la imaginación creativa pueden converger ambos procesos inclusive, permitiéndole al creador, en este caso al artista, mezclar imágenes existentes de su propia obra y proyectarlas, transformándolas en otra cosa, pudiendo así llevar su producción artística a niveles de mayor desarrollo.

En este artículo busco reflexionar sobre la imaginación creativa, como una herramienta de desarrollo creativo, capaz de potenciar los procesos creativos y llevarlos a niveles superiores.

 

Algunos ejemplos

Para ilustrar la idea, de cómo un artista puede llevar su obra a niveles superiores, apoyándose en la imaginación creativa, es importante remitirse a creadores que han vivido esos procesos, lo cual está reflejado en sus obras. Los ejemplos a ser citados no son al azar, se trata de artistas cuya obra admiro, conozco y me he tomado el tiempo de estudiar. Por otro lado son referencias de momentos distintos en la historia del arte, se trata de artistas con lenguajes y estilos muy distintos entre sí, hecho que me permite hacer el análisis desde ángulos distintos.

Usaré cuatro ejemplos: Leonardo Da Vinci, Jackson Pollock, Jesús Soto e Yves Klein. De los cuatro Leonardo es el único artista antiguo, mientras que los tres restantes son artistas de la segunda mitad del siglo XX.

Es muy importante tener claro, que con este análisis no pretendo hacer comparaciones entre los artistas, ni mucho menos insinuar que sus logros en el arte puedan ser emulados, más bien me voy por el lado de la inspiración en sus procesos creativos, para tratar de aprender sobre el uso que ellos le dieron a su imaginación creativa para potenciar el genio creador.

Tampoco quiero meterme en las intrincadas discusiones sobre el genio creativo, simplemente me interesa tomar la idea de la imaginación creativa como una herramienta poderosa, para proyectar la producción artística y llevarla a niveles de desarrollo superior. Y no encontré mejor manera de hacerlo que analizando el trabajo de quienes lo han logrado.

 

El caso Leonardo Da Vinci

Para todos los historiadores del arte, la referencia de la obra y vida de Leonardo resulta muy diversa, rica, multifacética, además de enigmática y llena de simbolismo. Su genio sin precedentes le permitió no sólo crear obras de exquisita belleza, con un dominio magistral sobre las técnicas empleadas, con un conocimiento profundo de los elementos plásticos y su aplicación perfecta en la ejecución de sus obras. Leonardo, más allá de todas estas cualidades y talentos, que ya le dan un sitial único en el mundo de la cultura occidental, fué ante todo un gran polímata, con una extensa formación en muchas ciencias y áreas del conocimiento humano, poseedor de una mente muy imaginativa que volaba de una idea a la otra, convirtiéndole en un gran visionario, adelantándose por completo a su tiempo. Por algo es considerado como la personificación del humanismos renacentista.

Leonardo, Diseño de máquina voladora. 1488.

Gracias a Leonardo la aeronáutica inspirada en su dibujos, comenzó el desarrollo de esas fabulosas máquinas que nos permiten viajar alrededor del mundo, los aviones. Fue Leonardo con su curiosidad y usando sus dotes únicos de dibujante, que la botánica de la época obtuvo las mejores ilustraciones de especímenes vegetales, que quedaron para la posteridad, de igual forma en la biología con sus estudios basados en la observación. Fue Leonardo quien con su inventiva diseñó máquinas de todo tipo, para facilitarle la vida a lo que sería el hombre moderno.

Leonardo logró todo esto porque vivía imbuido en los procesos de la imaginación creativa, tomó riesgos más allá del arte, y sus dotes de polímata, le permitieron investigar y conocer el mundo que le rodeaba, registrandolo con dibujos y bocetos, como el mejor de los ilustradores que haya conocido la historia del arte.

Podría fácilmente dedicar este post a hablar de los aportes dados por Leonardo, pero no es mi intención, sólo quiero ponerlo como el primer ejemplo de un artista que supo romper sus propios límites, que supo usar la imaginación creativa para llevar sus creaciones a niveles superiores, visualizando y plasmando esas visualizaciones, en sus maravillosos cuadernos de bocetos y estudios.

 

El caso Jackson Pollock

Antes de que Jackson Pollock hiciera explotar sus telas con torrentes de pintura chorreada, mejor conocido como dripping, sus investigaciones pictóricas estaban suscritas dentro del surrealismo, era un tipo de pintura muy personal, pero aún no había encontrado eso que andaba buscando. Pollock era seguidor de las teorías Freudianas y Junguianas, como buen surrealista, además usaba estas terapias para tratar sus desequilibrios emocionales.

De manera fortuita, trabajando en su taller se derramó pintura en el piso, en ese momento conectó ese hecho con las ideas del automatismo psíquico de los surrealistas. Así Pollock, usando su imaginación creativa, le dió vida a uno de los estilos pictóricos más conocidos y practicados del expresionismo abstracto, la pintura de acción, también conocida como action painting. 

Pollock en acción. Hacia 1949.

Con sus pinturas de acción, Pollock logró llevar su obra a un nivel superior, a la madurez del lenguaje propio, donde no sólo se trataba de chorrear pintura como un loco, era toda una ejecución performática, que involucraba la danza corporal en el momento de pintar, como una especie de ritual. La tela abandona el caballete y se coloca sobre el piso, se rompen los moldes que hasta ese momento se tenían de la producción pictórica moderna, y todo gracias a la imaginación creativa de Pollock (junto con los aportes de otros grandes artistas de su generación).

 

El caso Jesús Soto

Hablar de la obra del maestro Jesús Soto implica hablar de varios elementos que coexisten en su trabajo, la luz, el movimiento, el color, la inmaterialidad y la intervención del espectador, quien deja de ser un sujeto pasivo para convertirse en partícipe de la obra.

Soto es uno de los padres del arte cinético, junto a figuras como Jacob Agam, Jean Tinguely y Cruz Diez, entre otros. Se trata de uno de los genios más brillantes del arte abstracto geométrico, no sólo por la calidad de sus creaciones, la profundidad de su discurso plástico, sino porque Soto se caracterizó por ir más allá de sí mismo, sin dejar de ser fiel a sus investigaciones originales, vinculadas con las vibraciones de la luz, la energía y lo inmaterial en el arte.

Soto crea un universo mágico de inmaterialidad, luz y movimiento, el cual encuentra sin duda su pináculo, en los penetrables, donde la propuesta va más allá de lo que hasta entonces había logrado.

Jesús Soto, Penetrable azul, 1999.

Antes de crear los penetrables, Soto ya venía trabajando con la idea de un tipo de obra desarrollada desde el acontecimiento, es decir ese momento en el que el observador comienza a moverse ante la pieza y sucede la magia, las vibraciones generan la desmaterialización, y un poema único de luces comienza a destellar, en este punto ya se introduce la cuarta dimensión, pero aún existe la separación entre el espectador activo y la obra. Este mismo problema espacio-temporal lo encontramos en sus escrituras, en las vibraciones cromáticas, en las curvas inmateriales, en sus volúmenes virtuales y tantos otros trabajos, pero en el caso de los penetrables lleva sus investigaciones al límite, muy parecido a lo que hizo Malevich con su cuadrado blanco sobre fondo blanco. 

Uno de los planteamientos más interesantes de Soto en sus penetrables, es proponer el arte como una experiencia, donde no se trata solamente de descubrir la obra por medio del movimiento, aquí va un paso más allá, llevando el arte al nivel de la vivencia, un arte cuya existencia reside en estar dentro de la obra, percibiéndola, sintiéndola, viviéndola, una obra envolvente, que sólo puede ser desde la experiencia del espectador-participante, ahora convertido en parte de la obra. Los penetrables son la síntesis del arte abstracto geométrico, en la línea de las enseñanzas de Mondrian.

Y la gran pregunta es ¿cómo Soto llegó a esa maravilla que son sus penetrables, así como a tantas obras de ilimitada inventiva y originalidad ? la respuesta no puede ser otra que: usando su imaginación creativa, dejándola volar sin límites, los buenos riesgos en el arte dan resultados increíbles.

 

El caso Yves Klein

Yves Klein es uno de esos personajes enigmáticos y fascinantes, pocas veces vistos en la historia del arte. Desde la naturaleza de su obra, hasta su ilimitado afán de experimentación, le permitieron llevar el arte a sus límites. Klein era un amante del riesgo, hasta el punto de contratar a los bomberos en el momento de realizar sus pinturas con fuego, para prevenir que  se le quemara toda su casa. Esos detalles que hablan de alguien con un nivel imaginativo fuera de serie.

Yves Klein pintando con fuego. Hacia 1958.

La propia vida de Klein, los misterios en torno a su temprana muerte (1962 a los 34 años), lo multifacético de su producción artística, desarrollada en menos de 10 años, lo colocan sin lugar a dudas en la cúspide de los artistas intrépidos y visionarios. Aparte de que fué un gran intelectual, reflexionaba mucho en torno a sus procesos creativos, vivía en una constante revisión de sí mismo, todo plasmado y documentado en sus cuadernos de notas, bocetos y proyectos. Igualmente tenía una gran carga mística que le venía de sus prácticas como rosacruz y sensei de artes marciales, tiñendo sus investigaciones artísticas con un toque muy peculiar de misticismo y misterio.

Klein experimentó con el color puro, llevó el arte antiguo a otra dimensión, impregnándolo en varias ocasiones con su famoso “Azul Klein”, dió un paso adelante en el arte conceptual con su salto al vacío, explorando la idea de ver en el espacio un asidero para el nuevo arte, lo que el denomina lo inmaterial en el arte. Además revolucionó el tema de pintar con modelos, usando a las modelos como pinceles vivientes. También se planteó la incorporación en el arte de elementos naturales como al aire y el fuego, por último compuso música experimental y la interpretó en sus exposiciones, con performances que incluían pintar con modelos como pinceles, sus famosas antropometrías. 

Klein no hubiese alcanzado lo que logró, sin habérselo planteado de manera deliberada, sin haber visualizado esas maravillosas experiencias, en principio en su cabeza y después materializadas en la realidad concreta. Todo ese proceso tan impresionante, pudo ser desarrollado únicamente, por medio del uso de la imaginación creativa.

Yves Klein, Salto al vacío. 1960.

 

La visualización

En los ejemplos de artistas que cité, para ilustrar la idea de la imaginación creativa, Leonardo, Pollock, Soto y Klein, todos tienen algo en común, un recurso propio de la imaginación creativa, la visualización, que no es otra cosa que la capacidad de proyectar las ideas y verlas realizadas en el plano mental, para después plasmarlas en bocetos y maquetas, hasta su realización última como trabajos, como obras.

Este proceso de visualización es tan poderoso que incluso, puede que la obra por alguna u otra razón no llegue a realizarse, pero aún así al quedar plasmada en los bocetos, sirve para que las generaciones futuras le den continuidad. Tal como el caso de los inventos de Leonardo, él tuvo la visión, de hecho visualizó los artefactos y máquinas, los dibujó, pero no las llegó a realizar por razones históricas obvias, sin embargo en el transcurrir del tiempo, esos dibujos y bocetos sirvieron como guía para revolucionar la sociedad moderna en muchos aspectos, cientos años después de que Leonardo los realizara.

La visualización es como el escenario para la imaginación creativa, un escenario que permite entender dentro de la dimensión mental, los alcances de las investigaciones artísticas, como una especie de fogonazo, pero como decía Picasso, si la inspiración llega que te encuentre trabajando en el taller, que sea parte del desarrollo de la obra, no una abstracción que no termine en nada real.

 

La planificación y la disciplina

Todo este tema de la imaginación creativa, de la visualización, de plantearse llevar la obra a un nivel superior, de romper los propios límites desde las investigaciones artísticas, ciertamente que es muy atractivo, suena fascinante, la pregunta que surge es ¿cómo se puede lograr eso?

La respuesta es simple, sin embargo hacerlo, realizarlo es lo complejo:

Planificación y disciplina, esa es la respuesta.

Por más creativo y genial que seas, sino gestionas tus esfuerzos, si no te organizas y trabajas con disciplina, difícilmente alcanzarás tus metas.

Una de las características de los artistas geniales que analicé en este artículo, es que gestionaban sus esfuerzos, en mayor o menor medida, lograron hacer su obra en base a la planificación y la disciplina.

Si te estás planteando llevar tu obra al siguiente nivel, profundizar en tus investigaciones artísticas, y en tus proyectos, te sugiero que comiences rompiendo tus propios límites, aprovechando el poder de la imaginación creativa, no le tengas miedo a tu imaginación, deja que vuele, sigue tu intuición, sé muy constante, enfócate en algo y desarróllalo, no persigas la moda en el arte, eso no da ningún resultado positivo, aprende de los maestros del arte, como los que mencioné aquí y tantos otros, lee, profundiza, escribe, sistematiza tus procesos. Todo esto hazlo de modo planificado y con mucha disciplina, verás que con el tiempo eso dará sus frutos, siempre recuerda y jamás olvides, el arte es una carrera de largo alcance, llena de retos y miles de obstáculos, no se trata de una carrera de 100 metros planos.

Otro aspecto muy importante es la capacitación, en todo lo vinculado con lo digital y el uso de internet. Es una necesidad perentoria en este nuevo siglo, manejar herramientas para crear y compartir contenidos, darse a conocer por medio de sitios web y portales, participar y aportar en las redes sociales de modo consciente, con fines profesionales, así como potenciar las redes de contactos con profesionales del arte en el mundo entero.

En el mundo del arte hay dos cosas que van de la mano, y es algo que no ha cambiado desde hace siglos, la calidad de la obra y darla a conocer, para lo cual se necesita una buena red de contactos, y la buena noticia es que ahora con el fenómeno de las redes sociales, esos contactos podemos hacerlos nosotros mismos, fortaleciendo con ello la difusión de nuestro trabajo.

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6 thoughts on “La Imaginación Creativa y la Reinvención Artística”

  • 1
    Rosa on 17/08/2017

    excelente artículo, ilustra en forma breve la esencia del tema

    • 2
      Fidel Gómez on 28/08/2017

      Hola Rosa me alegra mucho que te haya sido de provecho el artículo, un abrazo, saludos.

  • 3
    Mildred Gil on 15/08/2017

    Excelente como todo lo que escribes.

    • 4
      Fidel Gómez on 16/08/2017

      Gracias por tus comentarios y aportes Mildred un abrazo, estamos en contacto, mucha felicidad, éxitos y prosperidad.

  • 5
    Susana Benko on 14/08/2017

    Fidel, excelente artículo. Y los ejemplos muy buenos. Son artistas que han impulsado nuevs rumbos en el arte y son referenciales. En efecto, sus procesos creativos aclaran los conceptos que estás tratando. Por otro lado, es un aleccionador, pedagógico, muy esclarecedor. Gracias por compartirlo.

    • 6
      Fidel Gómez on 16/08/2017

      Si supieras que duré mucho tiempo con las ideas rondando en la cabeza, hasta que me decidí a escribir el artículo, sé que es un tema muy complejo y denso, sobre todo porque es un campo en el que no se ha investigado mucho, de hecho traté de encontrar algunos referentes teóricos sobre este tema, pero de manera infructuosa, por otro lado es un tema que siempre me ha apasionado mucho, y soy de los que cree en la posibilidad de aprovechar este tipo de herramientas, como la imaginación creativa, para potenciar el trabajo creativo, lo que hace falta es saber como usarla, pero primero hay que identificarla dentro de los procesos creativos. Un abrazo Susana, gracias por tu apoyo, mucha felicidad, seguimos adelante.

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